El arte del S.XX (Angela 4ºc)

ARQUITECTURA FUNCIONALISMO 

Tras la finalizacion de la Gran Guerra, surgieron nuevas vanguardias que buscaron una ruptura mas radical con el arte tradicional.
En la arquitectura se impuso el racionalismo o funcionalismo basado en que "la forma sigue a la función", por ello los arquitectos  construyeron edificios de volúmenes geométricos sin adornos , con plantas y formas simples adaptadas a la función del edificio.

Utilizando materiales y técnica como el predominio de las líneas rectas y de los volúmenes elementales, conjuntos asimétricos, estructuras vistas, materiales: hierro, hormigón armado, vidrio, incorpora materiales nuevos como el aluminio, los plásticos, etc. y en los edificios el muro deja de ser elemento de soporte, los techos son bajos, las ventanas apaisadas, horizontales, se emplean azoteas en vez de tejados, los interiores aparecen pintados de blanco.

El funcionalismo surge y se desarrolla entre 1920 y 1930, consideraba la forma y estructuración de los elementos arquitectónicos, así como el material y la elaboración de muebles, como expresión de la utilidad práctica y de la construcción técnico-matemática.

Los orígenes del funcionalismo arquitectónico se pueden remontar a la triada del arquitecto romano Vitrubio.

La raíces de la arquitectura moderna se basan en el trabajo del arquitecto suizo Le Corbusier y el alemán Mies van der Rohe, fueron funcionalistas.

En 1923 Mies van der Rohe trabajaba en la Escuela de la Bauhaus,era una escuela de diseño, arte y arquitectura y había comenzado su carrera de producir estructuras de simplificaciones radicales y, animadas por un amor al detalle, alcanzaron la meta de Sullivan de la belleza arquitectónica inherente.

Charles Édouard Jeanneret-Gris, conocido como Le Corbusier,fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura, y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Tenia un dicho Corbusier “la casa es la máquina en qué vivir”.

Frank Lloyd Wright fue muy importante en el organicismo de la Escuela de la Bauhaus, busco la integración de los edificios en la naturaleza en obras como "La casa Sobre la cascada" construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run. Frank es considerado como el mejor arquitecto estadounidense.

DADAISMO 

En 1916 surgió en Zurich (Suiza)  gracias a los poetas Hugo Ball, Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara y pintores como Jean Arp, Sophie Taeuber y Marcel Janco. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte, se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra.

Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al Dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

Marcel Duchamp

Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico como obras realizadas con objetos cotidianos y utilizarlos como una simple exposición en una sala de arte y desmostar que el arte era solo una actitud mental que residía en el espectador. En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta ,colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

SURREALISMO

Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Bretón.Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier.En la pintura es Hieronymus Bosch "el Bosco" creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno".

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. 

Continuador en Cierto modo del Dadaísmo, el Surrealismo surgió como movimiento a la vez literario y pictórico. En su pintura, onírica y subjetiva,los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible y consciente,explorando desde diversos lados las honduras del inconsciente.El antecedente más inmediato de 1os surrealistas fue Giorgio de Chirico,creador de un tipo de pintura al que llamó pintura metafísica y en el que triunfa un mundo misterioso, extrañamente inmóvil, lleno de maniquí es.La palabra «surrealismo»la empleó por vez primera el poeta 

Apollinaire en 1917. En 1924, André Breton publicó el «Manifiesto surrealista»y un año más tarde se celebró la primera exposición en la Galería Pierre de París. En ella participaron Chirico, Arp, Ernst, Klee, ManRay, Miró,Picasso y Pierre Roy

.

PINTURA

El pintor más representativo de estos primeros momentos es MaxErnst, cuya pintura es el equivalente del automatismo psíquico de los poetas surrealistas. En su obra aparecen animales extraños y paisajes misteriosos, que configuran un universo fantástico.La obra de André Massonse caracteriza por el tratamiento poético que da al mundo de los sueños y por su fino erotismo.

La guerra civil española, la guerra de. Argelia y el racismo americano (que conoció en 1940 durante una estancia en los Estados Unidos) de-cantaron su pintura hacia una preocupación social y le alejaron del onírico universo de los surrealistas.Entre los muchos pintores vinculados con el surrealismo, destacan Paul Delvaux, Ives Tanguy y René Magritte.En Joan Miró el Surrealismo ha sido una etapa, integrada en el conjunto de su obra, a la que hadado excelentes lienzos (Mujeres y estrellas, Mujeres y pájaros ante la luna). En Dalí, empezó siendo una forma de pintar con un método propio , lo que le permitió realizar obras muy personales en las que combina elementos onírico s e insólitos conformas reales dibujadas con una precisión casi hiperrealista: 

La persistencia de la memoria, El espectro del sexappeal, El sortilegio de Leniny algunas excelentes obras religiosas, quizás auténtico de su labor: Madonna de 

PortLligat, Cristo de PortLligat, Última Cena.

ABSTRACCIÓN

Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo.[cita requerida] A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas. 

La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural, de la realidad, rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

Las obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Los principales pintores de este movimiento fueron 

• Wasily Kandinsky

•  Paul Klee

• Piet Mondrian.

RACIONALISTA

Arquitectura:

El Racionalismo arquitectónico es una corriente surgida en Europa tras la I Guerra Mundial. El Art Nouveau, que rompió con la contradicción y señaló el primer paso hacia un plastificado de las líneas constructivas, derivó en ornamentalismo vacuo, por lo que a principios del siglo XX se originó una corriente que rechazaba dicho ornamento, y aprovechaba los descubrimientos de la llamada Segunda Revolución Industrial, cuyo objetivo era encontrar un camino intermedio entre la renuncia a la imitación de lo antiguo y a un excesivo tecnicismo uniformador.

Sus Características son:

-Organización estructuralista del edificio en lugar de simetría axial

-Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales

-Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta

-Concepción dinámica del espacio arquitectónico

-Uso limitado de materiales como el acero, el hormigón o el vidrio

En España introduce el racionalismo el arquitecto zaragozano Fernando García Mercadal, con un proyecto de monumento a Goya, el Rincón de Goya. De forma casi simultánea, se construyen en Madrid otras dos obras clave para el desarrollo del movimiento racionalista: la Gasolinera Porto Pi (1927) y la Casa del Marqués de Villora (1927-28), diseñadas por los arquitectos madrileños .

Casto Fernández Shaw y Rafael Bergamín, respectivamente.En octubre de 1930 se funda en la capital aragonesa el grupo GATEPAC. El Club Náutico de San Sebastián (1929), obra de los arquitectos José Manuel Aizpurúa y Joaquín Labayen, fue una de la obras más características y representativas del grupo.

 El racionalismo esta estrechamente ligado con las artes plásticas, especialmente la pintura. Todos los movimientos que desde principios de siglo se irán sucediendo en la pintura, dejaran su influencia en el trabajo de los arquitectos que, en muchos casos, seguirán los principios de aquella. 

MODERNISMO

La arquitectura modernista representa la transición de la arquitectura decimonónica a la arquitectura del S. XX. Su de nominación implica la idea de innovación, novedad y proyección de futuro. El precedente hay que buscarlo en Williams Morris y en la Red House (Casa Roja). Él fue el verdadero inspirador de los "Arts and Crafts", movimiento que se caracteriza por la revalorización del trabajo artesanal frente a la deshumanización de la producción industrial y que poco a poco irá derivando en el Modernismo, que intenta la renovación y mejora artesanal aplicándolo a la máquina.

El modernismo es un estilo estético típicamente urbano. Busca unas formas más refinadas que las ofrecidas por la producción industrial, compaginando funcionalidad y belleza en un intento de crear una ciudad agradable, elegante, moderna y alegre. Es una manifestación burguesa con un fuerte componente ornamental inspirado en la naturaleza, la flora y la fauna.

Se trata de utilizar los nuevos materiales hasta las últimas consecuencias, no sólo por su utilidad espacial sino también por sus posibilidad es expresivas. En lugar de copiar las formas clásicas (columnas, frontones, etc.) se busca la inspiración en los procesos y las formas de la naturaleza. Esta admiración por la naturaleza no se limita a la decoración sino también a la planta y a la estructura del edificio, concebido como un organismo vivo coherente en todas sus partes.

Arquitectura Modernista en España

En España, el Modernismo tuvo una fantástica expansión, sobre todo en Cataluña, ya que estaba abierto a las corrientes procedentes de Europa. La tendencia iniciada por Viollet-le-Duc de recuperación del pasado arquitectónico medieval fue seguida también en Cataluña y completada con aportaciones islámicas.Los orígenes catalanes los encontramos en la nueva Escuela .

Provincial de Arquitectura, creada en 1871 y dirigida por el arquitecto Elies Rogent i Amat. Posteriormente, un gran número de arquitectos dejarán magníficos testimonios en edificios residenciales, institucionales, religiosos, sanitarios, educativos e industriales, utilizando materiales de construcción tradicionales como el ladrillo y otros nuevos como el hierro.

Arquitectura Modernista en Europa

Se le ha denominado de diferentes formas según los países: Sezessionstil en Viena, Modern Style en Inglaterra, Liberty en Italia, Jugendstil en Alemania, Modernismo en España y Art Nouveau en Bélgica. De hecho, estas tendencias no son exactamente iguales en cada país a pesar de que coinciden en el tiempo y tienen una estética común.En Francia, Guimard es conocido por sus obras de metro de París, que buscan embellecer la ciudad industrial sin intervenir en la trama urbana.
Las entradas de metro surgen en un entorno sombrío como un chispazo de fantasía desbordante: armazones metálicos de formas orgánicas y ornamentación llena de contenido simbólico.

PINTURA IMPRESIONISTA EN ESPAÑA

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

Pintores importantes : Aureliano Beruete, sus obras son Vista de la Vega Baja desde el Cambrón y Vista del Guadarrama; Adolfo Guiard, obras Cazadores en la estación del Norte y El grumete; 

Anselmo Guinea Ugalde, sus obras Gente, Puente de Roma e Idilio en Arratia; Francisco Gimeno, obras El velado, Agua brava o Huertos, etc.

• SOROLLA

Joaquín Sorolla y Bastida proviene de  Cerecilla, provincia de Madrid, fue un pintor y artista gráfico español. En la mayoría de sus cuadros utiliza una técnica de manchas ,  se educó como pintor de forma muy académica. En 1885 marchó a Roma pensionado por la Diputación de Valencia, y allí se relacionó con los artistas de la colonia española como Pradilla. Desde allí se trasladó a París, donde permaneció seis meses, y surgió su interés por el realismo y por la pintura impresionista, aunque no mantuvo ninguna relación con el grupo. En 1889 ya estaba en Madrid. Todavía tardará en deshacerse del tema social que ocupa gran parte de sus composiciones de los años 90, pero poco a poco el camino aprendido en París irá ganando terreno.

 En esos años son frecuentes los viajes a su tierra atraído por la luz.  Allí realiza sus cuadros más célebres, los de las orillas del Mediterráneo. El tema de los pescadores o costumbrismo marinero le granjeará los primeros éxitos, pero serán sobre todo las escenas playeras las que capten la atención del gran público por sus presupuestos claramente impresionistas. Nadie ha pintado como Sorolla el reflejo vidriado de los cuerpos mojados de los niños en la playa o las telas blancas deslumbrantes iluminadas por el sol. También le atraen notablemente las figuras femeninas a las que retrata una y otra vez con absoluta originalidad. El conjunto de su obra nos trasmite optimismo y alegría.

ARTE CUBISTA EN ESPAÑA

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida, es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas.

 La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen.

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones.

Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Etapas del Cubismo

• Cubismo Analítico

caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

• Cubismo Sintético

Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

• PICASSO

 Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado equivocadamente por algunos como impresionista, en realidad su estilo maduro se define mejor como luminista.

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.

A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.

El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las de formaciones expresionistas.

• JUAN GRIS

José Victoriano González Pérez conocido como Juan Gris, nació en Madrid el 23 de marzo de 1887. Junto a Pablo Picasso y Georges Braque, es uno de los principales representantes del Cubismo.

Inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, después, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, a la vez que asistía al taller del pintor José Moreno Carbonero

Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso.

 Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hacen que en 1912 se incorpore al movimiento cubista. Ese mismo año entra en relación con el marchante Henry Kahnweiler, con quien firma un contrato en exclusiva.

Sus primeras obras son naturalezas muertas y algunos paisajes en los que destaca el aspecto constructivo y volumétrico de los objetos y de la composición. En su paleta predomina la monocromía de grises y ocres.

Tendencias artísticas y autores del siglo XX(Alex)

Charles Édouard Jeanneret-Gris,( Le Corbusier),(nació en  Romandía, Suiza el 6 de octubre de 1887,y murió  Provenza-Alpes-Costa Azul en Francia el 27 de agosto de 1965), fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura (junto con Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Alvar Aalto y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Los cinco puntos de una nueva arquitectura:

• Uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándose le de piedra esculpida con molduras.

• La planta libre: la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotis dejando toda la planta baja libre para permitir el movimiento de los vehículos.

• La terraza-jardín:la superficie ocupada en planta por la vivienda debía de ser devuelta a la naturaleza en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.

• Los «pilotis»: aprovechando la acción conjunta de las losas de hormigón y los pilares metálicos, estos últimos tienen un consumo de suelo en la vivienda despreciable comparado con los muros de carga tradicionales o los pilares de ladrillo u hormigón. De esta forma, se mejora el aprovechamiento funcional y de superficies útiles, liberando a la planta de condicionantes estructurales.

• La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior.
• La fachada libre: complementario del punto anterior, los pilares metálicos se retrasan respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada ( con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.
Casa Curutchet:

Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre.Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m).




Frank Lloyd Wright (Richland Center, Wisconsin, 8 de junio de 1867 - Phoenix, Arizona, 9 de abril de 1959), arquitecto estadounidense, fue uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX conocido por la arquitectura orgánica y funcional de sus diseños.
Características:

Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio existente hasta entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar una zona de la otra, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando los cerramientos sólidos innecesarios.Estableció por primera vez la diferencia entre "espacios definidos" y "espacios cerrados". Wright además estudió con gran atención la arquitectura maya y aplicó un estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas.

Uno de sus proyectos más destacados y más conocidos lo realizó entre 1935 y 1939. Se trata de la casa Kaufmann ó Fallingwater house en Bear Run, Pennsylvania, edificada sobre una enorme roca, directamente encima de una cascada con un estilo moderno adelantado a su época.




Casa Fallingwater:

Dadaísmo:

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se inclina hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación.Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo se caracteriza, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.

El artista mas representativo fue Tristan Tzara , nació en Moineşti, Bacău, Rumanía, el 16 de abril de 1896 y falleció en París, Francia, el 25 de diciembre de 1963.

Vinght -cinq póemes:

Retrato de Izara por Lajos Tihanyi :

El surrealismo:

El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

En la literatura, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Temas:la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.

André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966), escritor, poeta, ensayista y teórico del Surrealismo, fundador y principal referente de este movimiento artístico.



Emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo:

El modernismo arquitectónico:


El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos xix y xx.
Utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.

El modernismo arquitectónico nació en Bélgica (art nouveau) con la obra de Henry van de Velde y Victor Horta. La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de las obras de Van de Velde especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.


Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí:

El Racionalismo arquitectónico:

El Racionalismo arquitectónico es una corriente surgida en Europa tras la I Guerra Mundial. El Art Nouveau, que rompió con la contradicción y señaló el primer paso hacia un plastificado de las líneas constructivas, derivó en ornamentalismo vacuo, por lo que a principios del siglo XX se originó una corriente que rechazaba dicho ornamento, y aprovechaba los descubrimientos de la llamada Segunda Revolución Industrial, cuyo objetivo era encontrar un camino intermedio entre la renuncia a la imitación de lo antiguo y a un excesivo tecnicismo uniformador.

Características:

• Organización estructuralista del edificio en lugar de simetría axial.

• Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales.

• Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta.

• Concepción dinámica del espacio arquitectónico.

• Uso limitado de materiales como el acero, el hormigón o el vidrio (nuevos materiales).

El autor más representativo fue Le Corbusier.



Le Corbusier, Villas Weissenhof-Siedlung, Stuttgart, (Alemania):

Pintura Impresionista en España:

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, provincia de Madrid, 10 de agosto de 1923) fue un pintor y artista gráfico español. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado equivocadamente por algunos como impresionista, aunque su estilo maduro se define mejor como luminista.

La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscan las condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial , la iluminación natural filtrada y la luz pasando entre hojas de árboles o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente . La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Sus obras mas importantes fueron: Defensa del Parque de Artillería de Monteleón, El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia,Chicos en la playa etc...

Defensa del Parque de Artillería de Monteleón:

 
 Arte cubista en España:



Pablo Ruiz Picasso :


( Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.Pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque,y tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Destaca :Cubismo cezannesco( Composición con cabeza de muerto ),Cubismo analítico( Mujer con peras ),Cubismo hermético( Violín colgado en la pared ),Cubismo sintético( Retrato de Max Jacob )

Parade:

Juan Gris:


José Victoriano (Carmelo Carlos) González-Pérez (23 marzo 1887 a 11 mayo 1927), más conocido como Juan Gris, era un español pintor y escultor que vivió y trabajó en Francia la mayor parte de su vida. Sus obras, que están estrechamente vinculados a la aparición de una obra artística innovadora género- cubismo -están entre los más distintivo del movimiento.

En un primer momento Gris pintó en la analítica al estilo del cubismo, pero a partir de 1913 comenzó su conversión al cubismo sintético , de los cuales se convirtió en un intérprete de firme, con amplio uso del collage . A diferencia de Picasso y Braque, cuyas obras cubistas eran monocromáticos , Gris pintaba con colores brillantes y armoniosos en combinaciones atrevidas y novedosas en la manera de su amigo Matisse. Gris expuso con los pintores del Grupo de Puteaux , en el Salón de la Section d'Or en 1912. Su preferencia por la claridad y el orden influyó en el purista estilo de Amédée Ozenfant y Charles Edouard Jeanneret ( Le Corbusier ), e hizo Gris un ejemplo importante de la post-guerra " retorno al orden "del movimiento.

Sus obras más importantes fueron:Guitarra y Pipe,Vaso de cerveza y naipes , Violín y tablero de ajedrez etc...

Vaso de cerveza y naipes:

Mapas de reparto de África y Asia _ Angela

La época del Imperialismo(1870-1914)

Reparto de África 

Reparto de África en 1911 en el Imperialismo

 Las posesiones Británicas están de amarillo; las Francesas, de rosa claro; las Italianas, de rosa ;  Alemania de verde; las Portuguesas, de morado; las Belgas, de naranja claro; las Españolas, de naranja fuerte; y los Países Independientes están de color gris.

Reparto de Asia

Reparto de Asia en 1914 en el Imperialismo 

Las posesiones Británicas están de verde ; las Francesas de amarillo ; las Españolas de naranja; Holanda de rosa claro; las Japonesas de morado ; y  los Países Independientes son los símbolos naranja y blanco circulares.

Imperialismo , conceptos del arte .(Alex)

El Modernismo:

Modernismo es una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx (fin
 de siècle y belle époque). En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en los países anglosajones), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Nieuwe Kunst (en Países Bajos), Liberty o Floreale (en Italia).


Hacen referencia a  un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, dejando atrás la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

Las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris,  proponían democratizar la belleza o socializar el arte, para que ,hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo se dió en las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios ).Los  artistas se denominan  «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener.

Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

• Se inspiran en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural prefieren los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
• Usan la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
• Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.
• Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, aprovechan las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas .
• Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
• Contraponen las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.
• La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes.
• En la segunda mitad del siglo xix se intensificó la tendencia, visible en movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William Morris. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro forjado , se exhibe con profusión y se aprovecha más allá de su función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular.

El modernismo en las artes gráficas:


El modernismo se extendió en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas, postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.
Destacó Alfons Mucha  sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también un estilo artístico comercial que fue imitado  por los ilustradores de la época.
Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo controvertido por  sus temas irreverentes.

Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas:


El arte de la joyería se revitalizó por que tuvo  a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Renovación los nuevos niveles de virtuosismo  en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.
Tenían interés por el arte japonés y un entusiasmo especializado en la metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación.
En el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.
Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos reconocían que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro,glorificó a la naturaleza en la joyería, incluyó aspectos nuevos ( libélulas y hierbas)inspirados en el arte japonés.
Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además se consideraba al joyero como artista más que como artesano. A los diamantes se les daba un papel suplementario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

Impresionismo y Post Impresionismo:








 Impresionismo se aplica a la música y la literatura,  pero su vertiente más conocida, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia)caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin darse cuenta de  la identidad de aquello que la proyectaba. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía por el cuadro de Monet (Impresión: sol naciente)
 

Paisajistas ingleses:

Joseph Mallord William Turner y John Constable (pintores paisajistas ingleses)sentaron las bases sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.
De Turner:
 Los impresionistas tomaron su fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos.  La luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo encontramos en Lluvia, vapor y velocidad  como en  el National Gallery de Londres, cuadro que podríamos considerar ya preimpresionista.

Édouard Manet:

En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Los personajes no estan conectados los unos con los otros , las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.


 Primera exposición:

 Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Renoir se hallaba, de momento, bajo la influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba  a pintar sus bailarinas.
Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender.  Fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que,  en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.



La segunda mitad del siglo XIX se presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras antes compuestas por colores oscuros pasaron a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, creaban la ilusión de profundidad.
Las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando el color.Se afinó el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color.



La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.


Forma:

Los artistas impresionistas buscaron condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet.La luz y el color era totalmente distinta al volumen del clasicismo;las formas se diluyen, se mezclan o se separan dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a la «impresión» que le da nombre al movimiento.

Artistas:

Edgar Degas:

 La pintura de Edgar Degas era difícil de comprender por sus mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, la fría y precisa objetividad.

Claude Monet:

Sin embargo, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.

Renoir:

 Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.

Post Impresionismo:



Destacaron :
Vicent van Gogh:

Paul Gauguin:

Henri de Toulouse-Lautrec 

Cubismo:





El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues rompe definitivamente con la pintura tradicional.




Características:


Rompe con la perspectiva, en los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.


Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.


Aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un punto de vista único.


No hay sensación de profundidad y los detalles se suprimen.


Los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.


Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Cubismo analítico o hermético (1909-1912):


 Braque y Picasso consiguieron desarrollar la nueva tendencia. La primera es el cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos.
Los puntos de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen representada, en definitiva, era ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.


 Picasso y Braque exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros pintores que conocieron la obra de aquellos en sus talleres. Se presentaron al Salón de los Independientes de 1911. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. Provocaron el escándalo y rechazo de público y crítica.


 Hubo críticos que venían de la propia vanguardia, centradas en dos problemas que planteaba el cubismo: su estatismo y su adhesión a lo figurativo. En efecto, sobre todo los futuristas objetaron al cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo actual es esencialmente dinámico.

Cubismo sintético:




 Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura.
 Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage. En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules(Botella de Suze )


 Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no serían lo que son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para representar los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914). Braque realiza en esta época El clarinete (1913), el Correo (1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).




En este período Juan Gris realiza una pintura más libre y colorista.Place Ravignan,la naturaleza está muerta ante una ventana abierta , donde el exterior se representa a la manera tradicional, con perspectiva renacentista, mientras que el interior de formas deconstruidas y compuestas desde diversos puntos de vista con planos quebrados. Por su parte, Marcoussis llega a la cumbre de su tarea creadora con obras más poéticas y personales como Músico.


María Blanchard nunca llegó a la total descomposición de la forma pero dejó su manufactura en forma de ricos colores. Su famosa "Mujer con abanico,y "Mujer con guitarra"  son ejemplos del intenso estudio que realiza sobre la anatomía de las cosas, como señaló Ramón Gómez de la Serna y del peso del color en su pintura. Tras esta etapa regresa a las técnicas figurativas donde queda impresa la influencia de las vanguardias.


La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo.

Expresionismo:

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés,fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que adherió diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.

Arte:


Sus colores  son violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de Alemania, así como de la Primera Guerra Mundial y del período de entreguerras.  Provocó un deseo de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.

Defendía la libertad individual, la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos
 morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Se reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve  aislado.

 Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.
El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. También se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).

En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo.
 Después de la Primera Guerra Mundial apareció la Nueva Objetividad, que surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.

Arquitectura:


La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca.Usó nuevos materiales, usaron formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y un programa socialista romántico.

 La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.

Literatura:


La literatura expresionista se desarrolló en tres fases principales: Aparecen como temas destacados la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la pérdida de la identidad individual, etc.

 Ningún otro movimiento hasta la fecha había apostado de igual manera por la deformidad, la enfermedad y la locura como el motivo de sus obras. Los escritores expresionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del káiser, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por lo que se sentían vacíos, solos, hastiados, en una profunda crisis existencial. El escritor presenta la realidad desde su punto de vista interior, expresando sentimientos y emociones más que impresiones sensitivas.

 Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, sino que el autor busca la esencia de las cosas, mostrando su particular visión. Así, no les importa deformar la realidad mostrando su aspecto más terrible y descarnado, adentrándose en temáticas hasta entonces prohibidas, como la sexualidad, la enfermedad y la muerte, o enfatizando aspectos como lo siniestro, lo macabro, lo grotesco.

Recurren a un tono épico, exaltado, patético, renunciando a la gramática y a las relaciones sintácticas lógicas, con un lenguaje preciso, crudo, concentrado. Buscan la significación interna del mundo, abstrayéndolo en una especie de romanticismo trágico que va desde el misticismo socializante de Werfel hasta el absurdo existencial de Kafka.


 Büchner fue uno de los principales renovadores del drama moderno, con obras como La muerte de Danton (Dantons Tod, 1835) y Woyzeck (1836), que destacan por la introspección psicológica de los personajes, la reivindicación social de las clases desfavorecidas y un lenguaje entre culto y coloquial, mezclando aspectos cómicos, trágicos y satíricos.

 Wedekind evolucionó desde el naturalismo hacia un tipo de obra de tono expresionista, por su crítica a la burguesía, la rapidez de la acción, los reducidos diálogos y los efectos escénicos, en obras como El despertar de la primavera (Frühlings Erwachen, 1891), El espíritu de la tierra (Erdgeist, 1895) y La caja de Pandora (Die Büchse der Pandora, 1902).


Strindberg inauguró con Camino de Damasco (Till Damaskus, 1898) la técnica estacional seguida por el drama expresionista, consistente en mostrar la acción por estaciones, periodos que determinan la vida de los personajes, en un sentido circular, ya que sus personajes intentan resolver sus problemas sin lograrlo.

Fovismo:

El fovismo, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.


El término fovismo surgió durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 donde se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas.
 El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras ('Esto es Donatello entre las fieras'), por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras.

Henri Matisse considerado padre del fovismo, pintó Lujo, calma y voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo que fue fruto de un ejercicio de búsqueda personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso el Retrato de la Señora Matisseo (La línea verde) donde se presentaba como una caricatura de la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato.

El repudio de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París, poco después Maurice de Vlaminck se unió al fovismo de Henri Matisse y André Derain. Como movimiento expresionista, apareció cronológicamente a la vez que el Expresionismo alemán, con una propuesta de protesta contraria al Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo. Sus principales influencias vienen de Paul Gauguin y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans.

El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet, Manguin, Camoin y Jean Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden.




Características:

• El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos.
•  Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
• Se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
• Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. 
• Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.
• El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
• Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.
• Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.